Amores Materialistas

 Dakota Johnson é uma atriz injustiçada: Alçada à fama pela infame trilogia “Cinquenta Tons de Cinza”, lançada a partir de 2015 (onde, também lá, ela demonstrava talento e carisma), Dakota experimentou uma exposição na carreira um pouco parecida com a de Robert Patinson e Kristen Stewart através da “Saga Crepúsculo”; fama, sim, e até algum sucesso de bilheteria, mas tudo isso atrelado a um filme mediano e à personagens péssimos que levavam púbico e crítica à percepção de que seus intérpretes eram ruins também. No caso de Dakota, ela não se ajudou estrelando, anos depois, o ainda pior “Madame Teia”, em 2024. Aos mais atentos, contudo, houveram indícios de sua competência, no remake de “Suspiria”, de 2018, conduzido por Lucca Guadagnino, e no desafiador “Papai”, de 2023 (um filme narrativamente espartano ambientado quase todo dentro de um carro), ao lado de Sean Penn.

Foi em 2025 que Dakota pode mostrar em dois belos e consistentes projetos a atriz maravilhosa, intuitiva, encantadora e promissora (características que espelhavam sua mãe, a veterana Melanie Griffith) que ela é: “Amores À Parte” e este “Amores Materialistas”.

Após do sucesso de seu “Vidas Passadas”, a diretora Celine Song mergulhou num projeto de predisposições emocionais similares ainda que mais audacioso na questão comercial e nos valores de produção.

O trio de astros (além de Dakota, o “Capitão América” Chris Evans e o Reed Richards de “Quarteto Fantástico-Primeiros Passos” Pedro Pascal) interpreta as três pontas de um triângulo  amoroso que parece levantar questões sobre objetivos práticos de vida em conflito constante com sentimentos de ordem mais abstrata (como o amor) ainda que essenciais na procura pela felicidade, propósito, afinal, de todos nós.

Dakota é Lucy Mason o que poderia se chamar de uma casamenteira moderna: Trabalha numa empresa especializada em providenciar aos clientes (sejam homens ou mulheres) o encontro perfeito; combinando preferências, escolhas e dados de perfil, eles promovem encontros que podem levar à descoberta do tão sonhado par perfeito.

Orgulhosa de ser uma das mais proeminentes em sua empresa, Lucy conquista pela nona vez um encontro que resulta em casamento, comparecendo na cerimônia, ela encontra dois extremos na forma de pretendentes muito reais: De um lado, o irmão do noivo, Harry Castillo (Pascal), rico, charmoso e atraente, aquela espécie de companheiro de tal maneira perfeito e inalcançável que, na empresa de Lucy, chamam de ‘unicórnio’ –ele insiste em chamar Lucy para sair, no que é, inicialmente, rejeitado; do outro lado, ela reencontra John Pitts (Evans), ex-namorado dos tempos de juventude, trabalhando como garçom do buffet contratado, o relacionamento com John, a despeito do sentimento genuíno e duradouro envolvido, não foi para frente, devido às ambições materiais de Lucy. Ela almejava uma estabilidade financeira não apenas confortável, mas exuberante; já John não somente era um aspirante à ator pobretão como continuava a ser um aspirante à ator pobretão –e sem muitas esperanças de deixar de sê-lo...

O dilema com o qual a protagonista se defronta é até óbvio (o amor real interessado e inquestionável de John, embora atrelado às provações da classe média-baixa em contrapartida à vida de luxo e riqueza sugerida pelo mais que adequado Harry), mas aqui não deixa de ser contado com charme, observação social apurada e insuspeita primazia, seja na encenação, na direção de atores e na condução do roteiro.

Ainda que excelente, “Amores Materialistas” teve uma repercussão algo problemática entre o público, uma vez que sua equivocada campanha de marketing tentou vende-lo como uma comédia romântica, o que ele definitivamente não é: Celine Song constrói aqui um charmoso drama romântico (adornado, de fato, com muitos dos elementos sedutores das comédias românticas hollywoodianas) sobre a banalização das relações interpessoais, convertidas numa mercadoria intercambiável, manejada por meio de números e estatísticas (uma frase recorrente no roteiro é “A combinação era perfeita!”) despida cada vez mais da empatia para com o outro.

Essa notável perspicácia crítica pode ter feito o público alvo ressentir-se do resultado final, mas, transformou “Amores Materialistas” numa obra inteligente, sensata e anos-luz a frente, qualitativamente falando, de um mero filme de romance.

O Lado Sombrio de Hollywood - 1ª Temporada

 Lançada pela HBO, esta série documental em seis episódios esmiúça algumas das situações mais alarmantes surgidas nos bastidores de Hollywood, revelando ao público informações que talvez não fossem de seu conhecimento e mostrando que desdobramentos ocasionados atrás das câmeras podem ser infinitamente mais sórdidos do que podemos imaginar. Com duração de um longa-metragem (cerca de uma hora e vinte e oito minutos), cada episódio traz as observações técnicas, profissionais e éticas da jornalista Scaachi Koul e do psiquiatra Dr, Drew Pinsky, as duas únicas presenças recorrentes em toda série.

No primeiro episódio, somos introduzidos à trama que provavelmente mais escapou ao conhecimento do público (até porque, entre outras coisas, sucedeu-se num período em que a internet não trazia tanta abrangência assim), as obscuras revelações sobre o ator Stephen Collins. Revelado ainda nos anos 1970, graças à participações em “Jornada Nas Estrelas-O Filme” e na série de TV “Tales of Gold Monkey”, Collins rapidamente subiu ao estrelato graças a uma soma favorável de predicados como boas atuações, carisma e ótimas relações-públicas, no entanto, o depoimento de uma jovem que encontrou-se com ele nos anos 1980 – e que transcorre, paralelo à sua ascensão nos anos 1990 – vai desmascarar um lado sombrio que passou completamente despercebido do público e do meio hollywoodiano que o havia enaltecido.

Indícios já estavam lá, desde sempre, como aponta o Dr. Pinsky ao notar sua propensão para escrever romances de cunho erótico com estranhos desvios de comportamento, porém, a reputação de Collins seguia inabalável, ainda mais solidificada depois que ele foi escolhido para interpretar o Pastor Eric Camden na série de apelo religioso/familiar “7º Céu”. Elogiada como uma das mais salutares séries da TV da época pelos valores que passava episódio após episódio (e tendo revelado a estrela Jessica Biel), “7º Céu” durou impressionantes 11 temporadas (de 1996 até 2007) e Stephen Collins foi ovacionado como um dos mais queridos atores da televisão norte-americana por público e crítica.

Foi somente em 2014 que a bomba explodiu e revelações da ex-esposa expuseram Stephen Collins que, em rede nacional, admitiu ter cometido abusos sexuais contra meninas menores de idade nos anos 1970.

No episódio 2 são mostrados alguns casos problemáticos de atores-mirins que enfrentaram revezes imensuráveis quando deixaram de ser criança.

Como Brian Bonsall, intérprete do jovem Andy Keaton, na época com apenas seis anos de idade, na série “Family Ties” – ou “Caras & Caretas” – aquela que revelou Michael J. Fox, antes mesmo de “De Volta Para O Futuro”. Encerrada a série após sete temporadas, Brian (como é passível de acontecer a muitas crianças pequenas no meio) não soube lidar com o término de sua “família” fictícia – que para ele era real – e o resultado foi uma adolescência e juventude problemática, envolvida com drogas e marginalidade.

São mostrados também os casos de Dee Jay Daniels (jovem ator afro-descendente que fez sucesso interpretando o caçula do seriado “The Hugleys”, de 1998 a 2002), de Zachery Ty Bryan (que aos sete anos fez parte do elenco da série de Tim Allen, “Home Improvement”) e Orlando Brown (parte do elenco de “That’s So Haven”, do Disney Channell, de 2003 a 2007). Todos foram incapazes de lidar com a fama quando ela revelou, em algum momento, suas facetas fugazes e ilusórios – e todos decaíram no consumo de drogas ilícitas, no envolvimento com a criminalidade – embora alguns, como Brian e Dee Jay tivessem sido capazes de se reabilitar.

O episódio 3 fala sobre os percalços de abuso profissional perpetrados na famosa série infanto-juvenil dos anos 1990, “Power Rangers”, que começou como um aproveitamento picareta da parte do criador  Haim Saban de sobras de seriados japoneses com direitos autorais comprados a preço de banana (!), com o inesperado sucesso avassalador na TV, a prática de utilizar somente as cenas de ação (e acrescentar cenas de diálogos com elenco norte-americano) transformou “Power Rangers” num fenômeno e seu jovem elenco, em astros. Contudo, o sucesso não trouxe garantias nem estabilidades: O produtor Saban submetia os atores à jornadas físicas extenuantes (a série, afinal, envolvia artes marciais) e seus salários eram negociados por valores irrisórios. As temporadas que se seguiram (num total de assombrosas 28 temporadas, além de especiais para a TV e longas de cinema!), ainda que cada vez mais endinheiradas na produção graças ao sucesso de audiência, provaram que os atores eram descartáveis; eles podiam ser substituídos por outros, sempre que reclamassem, exigissem pagamentos mais justos ou condições  menos severas -e o documentário mostra que foi exatamente esse o destino de Audri Bubois, intérprete original da Ranger Amarela, substituída ainda no episódio-piloto pela asiática Thuy Trang por discordar das políticas de pagamento, e da própria Thuy Trang, que enfrentou, mais tarde, terríveis revezes por tentar lutar por seus direitos e os de seus colegas. O episódio, entretanto, reserva um tempo todo especial para falar de Jason David Frank, intérprete de Tommy Oliver, inicialmente o Ranger Branco e, depois, o Ranger Verde -de longe, o mais icônico dentre todos os atores que participaram de “Powers Rangers” (e o mais duradouro dentre todos também), Jason David Frank se tornou, para os fãs, uma espécie de representante da série em infindáveis excursões por convenções em todo solo norte-americano. Porém, todo o carinho dos fãs não foi capaz de afastá-lo de seus problemas pessoais, do vício em drogas e das crises de depressão que culminaram em seu suicídio em 19 de novembro de 2022.

O quarto episódio foca no reallity show do Canal Bravo, “The Real Housewifes” e seus bastidores pra lá de conturbados, sobretudo, a origem da fortuna de Danielle Staub (uma das estrelas da edição de Nova Jersey do programa), relacionada ao tráfico de drogas; a situação ilícita de Jen Shah (da edição de Salt Lake City), condenada por fraude e lavagem de dinheiro; e (o  relato mais alarmante dentre todos) a terrível condição de violência doméstica sofrida por Taylor Armstrong nas mãos de seu então marido.

O quinto episódio é sobre a Família Von Erich cujos seis irmãos, filhos do lutador Fritz ‘Iron Claw’ Von Erich se tornaram famosos entre os anos 1960 e 70. Entretanto, como uma espécie de maldição reservado à algumas celebridades, cada um dos seis – Jack, Kerry, Kevin, Chris, Mike e David – encontrou um desfecho trágico acometido por diferentes transtornos psicológicos, restando somente Kevin (o principal entrevistado) como único sobrevivente.

Os percalços da Família Von Erich foram transformados num longa-metragem para cinema, “Garra de Ferro”, dirigido por Sean Durkin (de “Martha, Marcy, May, Marlene”), com Zach Efron, Lilly James e Harris Dickinson no elenco, no entanto, as liberdades poéticas em relação à realidade foram tantas que diversos depoimentos (incluindo o do próprio Kevin Von Erich) surgem tentando esclarecer ou corrigir muitas passagens do filme.

O sexto e último episódio aborda várias situações que envolvem stalkers das Celebridades – quando fãs perdem a consciência de seus limites e transformam a admiração por seus ídolos em obsessão – inclusive trazendo o caso mais famoso e aqui tratado com mais superficialidade: O stalker que chegou a invadir a casa de Sandra Bullock!

São também esmiuçados os casos das cantoras Taylor Swift e, em especial (com depoimento da própria), Ashanti, entre outros.

Morra, Amor

 A casa para onde o casal Jackson e Grace (Robert Pattinson e Jennifer Lawrence, ótimos) vão morar foi onde o tio dele outrora se matou. E esse elemento, o do fatalismo inerente, será um dado que irá perpassar toda a trajetória dessa vida a dois investigada com olhar aguçado pela diretora Lynne Ramsay.

Conhecedores do cinema dessa cineasta escocesa sabem que ela não se interessa por realidades felizes ou idealizadas, sabem que a autenticidade de seus personagens se revela aos poucos, gradativamente desfraldando celeumas profundas, algumas inapeláveis. E não deixa de ser algo exatamente assim que ela investiga aqui, contando desta vez com o inestimável talento da estrela Jennifer Lawrence, num papel que guarda inúmeros ecos do mesmo desempenho que ela entregou no filme “Mãe!” – como lá, temos aqui uma jovem confrontada com as difíceis e imprevistas facetas da maternidade, ao mesmo tempo que afastada de todos ao morar num local longínquo. Pois, uma vez instalados na casa – que à propósito, trata-se de uma casa isolada numa área rural de Montana – Jackson e Grace acabam tendo um filho que nasce uns meses depois, ao qual o jovem casal se decide por não dar ainda nome nenhum. Contudo, Grace aos poucos vai experimentando a negligência do marido à medida que ele se afasta cada vez mais sob a justificativa do trabalho. São pequenos, mas pertinentes, os indícios que Lynne Ramsay planta, aqui e ali, de seu distanciamento (a sequência do telefonema em que Grace percebe, pelos sons diegéticos, que ele se encontra em uma lanchonete) e de sua infidelidade (as caixas com preservativos, de existência injustificada, que ela encontra sucessivamente dentro do carro) – e é necessário também mencionar o trabalho sólido e perspicaz de Robert Pattinson numa composição despida de qualquer vaidade.

Todos esses pequenos percalços e atribulações fazem com que Grace comece a se dar conta de que ser esposa e mãe demanda alguns sentimentos de vazio, solidão e desamparo com os quais ela não estava preparada para lidar.

O isolamento – pelo menos, na ótica não muito circunspecta de Jackson – serviria para Grace, uma aspirante a romancista, escrever seu próximo livro, entretanto, o ímpeto para escrever jamais vem, substituído, em vez disso, por uma perda gradual de sua própria identidade, por um vazio que a consome nos dias e noites que se seguem.

O cinema moderno tem sido contumaz num objetivo resgate das celeumas intimistas de uma depressão pós-parto acometida às mulheres em obras mais recentes como “Se Eu Tivesse Pernas, Eu Te Chutaria” ou “Pieces Of A Woman”. A fim de executar uma sondagem de aspectos similares, Lynne Ramsay, neste seu “Die, My Love”, lança mão de circunstâncias peculiares, tão alarmantes quanto mundanas (o ambiente familiar e social onde Grace e Jackson vivem não dá muita margem para a compreensão da condição dela, sendo que os coadjuvantes mais recorrentes são sempre a mãe e o pai dele, vividos por Sissy Spacek e Nick Nolte, respectivamente), de situações incertas onde o cinema permeia aquela fronteira ambivalente entre sonho e realidade, delírio e lucidez (as sequências nebulosas e enigmáticas onde vemos um motoqueiro – a lembrar um intrigante personagem do cult “Mal do Século” – vivido por Lakeith Stanfield, de “Corra!”, rodeando e cercando a casa de Grace e, mais tarde, convertendo-se numa espécie de amante dela!), e de observações de ordem alegórica (o incêndio a consumir a floresta que circunda a fazenda, mostrado no início do filme e retomado já na sua cena final).

O som e a música contribuem muito para essa desestabilização dos sentidos, num reflexo do estado interior da protagonista e sua luta conta fantasmas internos – o latido de um cachorro comprado por Jackson que, ao longo dos dias, inferniza Grace sem parar; os acordes repentinos de trilha sonora, nem sempre adequada, que irrompem nas cenas apenas para remover o público de qualquer sensação de conforto.

Há um momento, quase inebriante, já perto do desfecho, em que Ramsay chega a sinalizar com a possibilidade de uma final ameno e feliz, um instante onde o amor parece capaz de prevalecer – é quando o casal, a despeito de suas crises, entoa uma mesma música que toca no rádio do carro. Poderia ser até o final do filme, e nele, os talentos de Jennifer e Robert realmente conseguem tirar leite de pedra e emocionar o expectador, mas, Ramsay (como atestam seus trabalhos contundentes e irrefreáveis) não é adepta de finais felizes abruptos. Ela conduz seu filme à já citada sequência do incêndio, justamente para que seu impacto nos faça entender que ela não está, nem de longe, brincando com coisa tão séria.

A Isca

 Um conto peculiar de crime urbano perpetrado por Bertrand Tavernier ainda em meados da década de 1990 que, em si, serve como um espelho das tendências pós-modernas do cinema francês de então, “L’Appât” é uma obra que abraça o clima de estranheza que persiste durante boa parte de sua duração – até, pelo menos, ser substituído pela urgência dramática de um mergulho cada vez maior na crueldade humana – certamente, fruto de uma forte inclinação ao improviso que moveu muitas obras europeias.

A começar o filme, temos a personagem vivida por Marie Gillain (vencedora do Kikito de Melhor Atriz no Festival de Gramado 1995), Nathalie, uma jovem que não se furta em tentar ascender socialmente em Paris usando de sua beleza e juventude; ela guarda consigo uma lista de homens proeminentes e abastados que, noite após noite, encontra para flertes que nunca dão em nada. Nathalie – sem muita certeza do que de fato quer – se equilibra entre uma certa permissividade e uma vontade de preservar sua dignidade e não ceder por completo à prostituição.

Contudo, Nathalie mora com um rapaz – ou melhor, com dois! Ela vive no mesmo apartamento que Eric (Olivier Sitruk) e, junto deste, sempre está seu melhor amigo Bruno (Bruno Putzulu) – Eric mora com Nathalie, mas Bruno é tão onipresente na relação que praticamente mora com eles também.

De início não fica muito clara a dinâmica – resultado muito provavelmente do fato de que o roteiro, escrito pelo próprio Bertrando Tavernier, foi sendo concebido aos poucos, à medida que os realizadores foram compreendendo e moldando os personagens (ainda que mais tarde tenham declarado que a trama foi inspirada no ‘Caso Valérie Subra’, um crime muito comentado à época) – mas, a impressão inicial é a de que Eric e Bruno são dois amigos gays (um casal, talvez) que vivem com Nathalie. Ela até mesmo fica nua de maneira desinibida na frente deles, que agem com indiferença. Contudo, logo notamos: Nathalie é, na verdade, namorada de Eric que, aos poucos se mostra mais violento e truculento, diferente do que demonstrava no começo – ainda que ele e Bruno sejam flagrados assistindo “Scarface” de forma quase hipnotizada (um indício, de repente, da predisposição dos personagens).

Alimentando a ambição de ir para os EUA e lá abrir uma boutique – onde acreditam piamente que irão prosperar – Eric e Bruno têm a ideia de levantar capital o mais rápido possível a fim de custear a viagem deles e a de Nathalie: Roubando.

Não demora para que eles percebam, na lista elaborada por Nathalie, uma forma ideal para procurar alvos em potencial. Em teoria, o discurso de Eric faz a ideia parecer bastante simples: Nathalie telefona para uma das vítimas e marca um encontro, de preferência, na residência do dito-cujo. Aproveitando-se de um momento de distração, Nathalie destranca a porta para que Eric e Bruno (devidamente mascarados) possam entrar, fazendo-se passar por assaltantes aleatórios, sem qualquer relação com Nathalie, que fingirá surpresa enquanto eles saqueiam o que houver de mais valioso no local – dinheiro escondido, de preferência.

Entretanto, o plano que eles acreditavam com tanta certeza que funcionaria logo demonstra suas fragilidades. Cada casa, mansão ou residência é diferente – ora têm um alarme que pode acionar a polícia; ora tem algum convidado capaz de aparecer no momento mais inoportuno, ou qualquer outra coisa – oferecendo algum imprevisto aos jovens criminosos.

Quando enfim eles conseguem concluir as invasões planejadas, outro contratempo: Suas vítimas em geral, os homens de meia-idade que ostentavam um padrão de vida elevado aos olhos de Nathalie, não são assim tão ricos – quanto têm dinheiro, têm em contas bancárias somente; ou usufruem de algum patrimônio, não necessariamente possuindo riqueza dentro de casa.

É parte dessa frustração (além do medo de preservar testemunhas de suas ações) que leva Eric e Bruno a adotar cada vez mais violência para com suas vítimas – o que leva à alguns homicídios, trazendo para eles a atenção da polícia.

Nathalie não deixa de notar um beco sem saída surgir diante de si – conforme as mortes se multiplicam sem, no entanto, não acarretar um ganho financeiro de fato, a circunstância vai deixando Eric ainda mais instável, explosivo e perigoso – embora ela siga servindo de isca para as desafortunadas vítimas.

Em algum lugar dessa obra febril, juvenil, cheia de energia e estranheza, o diretor Tavernier consegue ressaltar, como seu tópico mais contundente, a banalização do mal, ancorando essa reflexão na identificação do público com sua protagonista: Embora sua personagem principal seja amoral e egocêntrica, a atriz que a interpreta, Marie Gillain (de “Inferno” e “Caixa Preta”), consegue ser cativante o suficiente para conduzir o filme de ponta a ponta e ainda conquistar algum interesse do expectador.

Tróia

 Em 2004, a superprodução “Tróia” – ou “Troy”, no original – era uma promessa e tanto nos cinemas: Um épico dirigido pelo tarimbado Wolfgang Petersen (diretor alemão que trazia em seu currículo o elogiado “O Barco-Inferno No Mar” e a fantasia “História Sem Fim”), roteirizado por David Benioff (roteirista do lastimável “X-Men-Origens-Wolverine” e da aclamada série "Game of Thrones"), adaptando o poema “A Ilíada”, de Homero, e que ostentava um elenco com nomes como Brad Pitt, Eric Bana, Peter O’Toole, Julie Christie, Orlando Bloom (então em alta com a Trilogia “O Senhor dos Anéis”), Brian Cox, Garrett Hedlund e muitos outros.

Todavia, ao aportar nos cinemas, a empolgação rapidamente foi substituída por um certo descaso: A direção de Petersen era burocrática, desanimada, indicativa de uma carreira que logo chegaria ao seu crepúsculo (depois de “Tróia”, ele só lançou “Poseidon”, de 2006, em Hollywood, e a comédia “Vier Gegen Die Bank”, de 2016, em sua Alemanha natal, até falecer em 2022) e o roteiro (que pretendia-se realista) omitia a intervenção das divindades da mitologia grega nos acontecimentos, preservando elementos pouco palatáveis nos personagens protagonistas que foram mantidos – um dos grandes lapsos em “Tróia” é que, num elenco numeroso e adornado de estrelas de cinema, quase ninguém traz um personagem bem desenvolvido ou uma atuação capaz de se sobressair ao todo – com muita boa vontade, talvez, somente à exceção de Eric Bana...

Uma pena, uma vez que “Tróia” era (ou deveria ser) uma obra onde as ações servem de consequências aos vícios e às virtudes humanas.

1184 A.C. Grécia Antiga. Em Esparta, o Rei Menelau (Brendan Gleeson) recebe os príncipes de Tróia, os irmãos Hector (Eric Bana) e Paris (Orlando Bloom), de índoles distintas – enquanto que Hector, o mais velho, carrega consigo a austeridade como herança de seu reinado e de suas responsabilidades, o mais jovem, Paris, é um jovem mimado e imaturo, cujo semblante de agradável beleza lhe permite colecionar conquistas amorosas.

Será uma dessas conquistas o estopim para uma celeuma sem precedentes: A Rainha Helena, tida como a mulher mais linda do mundo (vivida pela convincente e radiante Diane Kruger) e esposa de Menelau, encanta-se por Paris, tornando-se seu amante e pondo em prática o plano de fugir junto dele para Tróia.

Afrontado, Menelau convoca seu irmão, Agamenon (Brian Cox), um convencido senhor da guerra e, juntando forças, decidem arremessar seus exércitos para cima das defesas de Tróia. A confiança de Agamenon, contudo, tem lá sua razão de ser: Entre suas fileiras está o imbatível guerreiro Aquiles (Brad Pitt, exalando soberba), segundo dizem, abençoado pelos deuses para ser invencível no campo de batalha.

Munido de milhares de outros soldados – entre eles, o estrategista Odisseu (Sean Bean, aqui chamado de Ulisses) e o primo de Aquiles, Pátroclo (Garrett Hedlund, de “Inside Llewyn Davis-Balada de Um HomemComum”) – as forças de Menelau e Agamenon rumam mar adentro em direção à Tróia, governada pelo Rei Príamo (Peter O’Toole), disposto a proteger seus filhos e seu povo das hostilidades iminentes.

Condensada numa obra de profundas intenções comerciais (na qual nota-se com nitidez a predisposição em enfatizar as cenas de batalhas em detrimento de qualquer enredo), esta versão pasteurizada de “A Ilíada” negligencia o potencial de seus personagens – Aquiles, Agamenon, Paris e Menelau surgem reduzidos à estereótipos apáticos, como arrogante, intolerante, mimado e obsequioso, respectivamente – não fornecendo ao expectador um protagonista válido e digno ao qual ancorar seu investimento emocional.

Esse detalhe um tanto prejudicial torna irrelevante alguns dos predicados positivos da produção como a execução caprichada de suas sequências épicas (ainda mais impressionantes hoje, em que o cinema já não entrega tanto empenho na confecção de efeitos práticos, e superproduções em geral padecem de seriedade e dramaturgia) e a beleza física de seu elenco jovem paulatinamente explorada – além de Orlando, Diane, Eric e Brad há também Rose Byrne (no papel de Briseis) e Saffron Burrows (Andrómaca, esposa de Hector).

Trem da Vida

 Esse esplêndido cinema exercido pelo diretor romeno Radu Mihaileanu volta seu olhar para as comunidades; em “O Concerto”, todo um grupo de músicos tornados dissidentes pelos contratempos políticos se une e se reúne a fim de provar que a música sobrepuja o perdão e o tempo; em “A Fonte das Mulheres”, ele mostra um vilarejo se fragmentar entre os apoiadores das mulheres exploradas e os insistentes argumentadores em prol de um patriarcado nem sempre justificável. Nesse trajeto, Mihaileanu não cede à tendência fácil de criar vilões – mesmo os perpetradores dos atos mais pungentes (aqueles que, por vezes, deflagram o enredo) são apresentados como parte do todo, indivíduos com os quais, em última instância, os protagonistas entendem que precisarão aprender a conviver. O brigar é comum entre seus personagens, mas o fazer as pazes é mais comum ainda.

É, pois, de um humanismo muito similar que ele se vale para elaborar este seu brilhante “Train de Vie” – cuja premissa, não por acaso, faz lembrar bastante o reconhecido e premiado “A Vida É Bela”, de Roberto Benigni. Reza a lenda, que Benigni inspirou-se em “Train de Vie” para a composição de sua história. Ambos falam sobre uma resistência algo filosófica ao fantasma sombrio do nazismo (uma espécie de oposição partida do simples fato de querer conservar certa felicidade) e de estratagemas mirabolantes, quase inacreditáveis, para burlar a engrenagem massacrante do mal e tentar viver. Se “A Vida É Bela” se tornou mundialmente conhecido e foi surpreendentemente premiado na cerimônia do Oscar 1999 – segundo muitos, mais por influência do produtor e distribuidor Harvey Weinstein do que por mérito artístico de fato – “Train de Vie” até hoje segue conhecido apenas nos meios cinéfilos, sendo considerado um cult-movie por seus apreciadores.

1941. Uma pequena aldeia da Europa Ocidental amanhece com os apelos apavorados de Schlomo (Lionel Abelanski, de “Magia Ao Luar”), o maluco local. Segundo ele, os Nazistas avançam inexoravelmente pelas imediações e será questão de tempo até dizimarem o vilarejo judeu no qual todos, até então viviam em harmonia. Os chefes locais, liderados por seu sábio rabino (Clément Harari) se reúne em busca de uma solução que salve a todos, no entanto, é do próprio Schlomo que surge a ideia que pode livrar todos eles do perigo: Providenciar um trem, disfarça-lo como uma locomotiva nazista e, debaixo do nariz de seus algozes, encenar uma falsa deportação levando toda a população da aldeia para a Palestina, em Israel, onde todos estarão seguros.

“A Terra Prometida” como dito na Bíblia.

A concretização do plano, contudo, esbarra numa série de complicações de ordem logística – encontrar o trem e obtê-lo a partir dos modestos recursos que os moradores em mutirão são capazes de despender (e entra aí o tino de negociação financeira tão inerente ao povo judeu!); encontrar, entre os membros do povoado, alguém que consiga ser convincente como oficial alemão a fim de ludibriar os eventuais empecilhos pelo caminho; conseguir disfarças os vagões de forma convincente, e providenciar um maquinista ou, pelo menos, alguém que seja capaz de conduzir e manusear a parafernália da locomotiva.

Os escolhidos para se trajarem de oficiais nazistas são um grupo liderado pelo relutante Mordechai (Rufus, de “O Fabuloso Destino de Amélie Poulain”) que aprende, à duras penas, as minúcias do sotaque alemão para que entregue, perante os oficiais nazistas genuínos que vão encontrando pelo caminho, uma atuação inquestionável!

Quando todas as etapas do plano já estão em andamento, as forças nazistas começam a dar as caras na região, e todos os moradores partem, enfurnados dentro do trem no qual haverão de tentar passar despercebidos pelos constantes bloqueios nazistas, fingindo que estão à caminho de algum campo de concentração, mas, na verdade, com destino traçado para bem longe, sua sonhada terra prometida.

O avanço gradual dessa jornada permeada de humor  e drama  proporciona à Radu Mihaileanu a concepção de um microcosmos das oposições humanas: Dedicados a interpretar fielmente os nazistas (pois, sua sobrevivência depende, em grande medida, disso), os grupo chefiado por Mordechai abraça de tal maneira seus papéis que começam a sofrer escrutínio dos passageiros do trem, sendo tratados quase como nazistas reais (!), enquanto, lá pelas tantas, um grupo dentre os passageiros, embriagados da doutrina marxista (!), se declara comunista (!!), se rebelando contra os demais, que eles enxergam como fascistas, burgueses e imperialistas (!!!) – não passam, entretanto, de filhos ressentidos da severidade ocasional dos pais, ou apaixonados indignados pela indiferença de seus objetos de desejo (!).

O surgimento dessas e de outras sub-tramas mais ao abordar uma circunstância que trata o coletivo permite à Mihaileanu criar uma narrativa que foge ao realista, tomando o atalho do humor e do lirismo para chegar a um certo senso do fantástico, uma espécie muito peculiar de sub-gênero nascido na Europa ao final da década de 1990 do qual, segundo consta, “Train de Vie” foi um dos pioneiros.

De fato, não há como negar o impacto da cena final, uma piscadela quase de metalinguagem na qual depois de toda uma trajetória divertida, dramática e ocasionalmente tensa, Mihaileanu restringe as impressões finais ao seu personagem amalucado do início – e confronta o público com uma inesperada e preocupante possibilidade.

Predador - Terras Selvagens

 Durante muito tempo o público experimentou a sensação de que o clássico “O Predador”, de 1987, estrelado por Arnold Schwarzenegger e dirigido por John McTiernam, era de uma magia assim irreplicável: As suas continuações, derivados e reinvenções oscilavam entre obras honestas, porém, insuficientes (“Predador 2” e “Predadores”) e trabalhos absolutamente pífios (“O Predador”, de 2018, e “Alien X Predador”) e tão mais ridículos quando cediam à pretensão de superar o excelente filme original.

Em 2022, contudo, algo mudou; ao ser confiado ao jovem Dan Trachtenberg (do ótimo “Rua Cloverfield, 10”) a franquia finalmente mostrou o mesmo potencial de seu primeiro filme em “O Predador-A Caçada”, de lá para cá, dentro desse redescoberto universo, Trachtenberg entregou uma instigante obra de animação (“Predador-Assassino de Assassinos”) e, em seguida, o que talvez tenha sido sua mais ambiciosa cartada com este “Predador-Terras Selvagens”.

A primeira e surpreendente manobra do filme é a forma como escolhe, desta vez, o seu protagonista: Não mais um humano a ser confrontado com a famigerada espécie alienígena de caçadores interplanetários, agora, o personagem principal é Dek (vivido sob quilos de maquiagem pelo dublê Dimitrius Schuster-Koloamatangi), um espécime jovem dessa mesma raça de caçadores interplanetários! Num lance um tanto ousado, o filme de Trachtenberg converte o que antes era o antagonista (aparentemente, a regra implícita imutável de todos os filmes até aqui) no protagonista. No processo, essa alteração permite jogar alguma luz em elementos da franquia que sempre estiveram ocultos no mistério –os procedimentos na sociedade dos alienígenas Yautja, seus costumes e sua hierarquia (até mesmo uma linguagem foi concebida para servir como idioma Yautja ao longo de todo filme).

Filho mais jovem e mais fraco (lapso do qual é o tempo todo lembrado), Dek, sendo um membro da brutal raça dos Yautja tem somente uma escolha: Provar seu valor ou ser morto. Na realidade, não chega nem a ser muito uma escolha: Se dependesse de seu implacável pai, ele seria morto instantaneamente (!), é seu irmão mais velho, Kwei, quem sacrifica-se para que Dek consiga partir a bordo de uma nave para o planeta Genna, de onde só poderá voltar com um troféu que prove sua força –a cabeça de um monstro jamais caçado, o Kalisk.

O planeta Genna, no entanto, tem sua fauna e flora convertidas num emaranhado de armadilhas mortais –sendo o Kalisk apenas a mais ameaçadora de todas elas!

Mal conseguindo sobreviver às primeiras horas de sua chegada por lá, Dek encontra os restos mortais de uma androide chamada Thia (Elle Fanning), cuja metade do corpo –da cintura para baixo –ela perdeu justamente num encontro com o Kalisk.

Thia é, por sinal, um autômato enviado pela empresa terrestre Weyland-Yutani (a mesma empresa que surge em “Alien X Predador”, em “Alien-Romulus”, na série “Alien-Earth” e em diversas outras produções dessas franquias) para explorar e coletar vários espécimes do planeta em geral, e o Kalisk em particular.

Ela e Dek estabelecem uma tênue parceria –ele a ajuda a encontrar o restante do seu corpo para ficar completa e ela o guia ao paradeiro do Kalisk –entretanto, o verdadeiro problema é mesmo Tessa, a androide ‘irmã’ de Thia (também ela interpretada por Elle Fanning, saindo-se maravilhosamente bem na composição de duas personagens de índoles opostas), de atitude fria, implacável e impiedosa que eliminará qualquer um em seu caminho para concluir a missão que lhe foi dada.

Promovendo uma ligeira desconstrução nos elementos já estabelecidos dessa série cinematográfica (mas, usando essa mesma desconstrução para enfatizar esses elementos e ainda trazer revelações curiosas sobre sua mitologia alienígena), “Terras Selvagens” ostenta o mesmo bom senso que norteou roteiro e direção dos dois projetos anteriores, embora tenham havido críticos detratores que não aprovaram a tentativa de fazer do próprio alienígena Yautja uma figura mais próxima, mais identificável (tirando, segundo eles, muito da atmosfera fascinante que cercava os personagens), os realizadores não deixaram de entregar uma vibrante aventura de ficção científica.