VisionQuest

 A Marvel Studios já anunciou que a minissérie “VisionQuest” é a parte final de uma trilogia, iniciada com o elogiado “WandaVision” e depois continuada com “Agatha Desde Sempre” – trata-se, pois, de uma sucessão de produções que exploram, por meio do formato televisivo, os desdobramentos experimentados por um núcleo bem específico de personagens após acontecimentos envolvendo “Vingadores-Guerra Infinita”; e esses personagens são, em princípio, o improvável casal Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) e Visão (Paul Bettany). Ela, uma feiticeira dotada de imensuráveis poderes do caos; ele, um androide sintozóide poderoso e com consciência quase humana.

Continuando diretamente os eventos finais de “WandaVision” – onde o Visão criado através de magia por Wanda (o verdadeiro morreu em “Guerra Infinita”) transferiu suas memórias para o corpo sintético do Visão Branco, uma réplica desprovida de emoções e do banco de memórias do original – acompanhamos o Visão Branco se refugiando de tudo e de todos num café em Edimburgo, na Escósia (local onde Wanda e Vision se encontravam, visto em “Guerra Infinita”). Lá, às escondidas de todos, ele trabalha como atendente sob o nome de Sherwood Ellis. Entretanto, como é um sintozóide, ele não precisa de uma casa para morar – basta entrar numa câmara fria e se desligar, que o Visão pode adentrar uma residência dentro de sua própria mente digital, também ela habitada por outras Inteligências Artificiais criadas por Tony Stark e que marcaram presença em alguns filmes da Marvel.

São elas: O programa J.A.R.V.I.S. (James D’Arcy, mesmo ator a interpretar esse personagem de carne e osso na série da “Agente Carter”) que deu origem o próprio Visão e que servia para gerenciar a mansão tecnológica de Stark no primeiro “Homem de Ferro”; Sexta-Feira – ou F.R.I.D.A.Y. – (Orla Brady, da série “Jornada Nas Estrelas-Picard”) que gerenciava a própria armadura do Homem de Ferro; E.D.I.T.H. (Emily Hampshire, de “Cosmopolis” e “Mãe!”), uma I.A. mais recente que operava nos óculos de Peter Parker em “Homem-Aranha Longe de Casa”; Idiota e Você (Henry Lewis e Jonathan Sayer), os braços robóticos da garagem/oficina de Tony Stark; e o mais instável, imprevisível e perigoso de todos eles, Ultron (o estupendo James Spader, aqui emprestando também sua aparência humana ao personagem) que enfrentou os Vingadores em “A Era de Ultron” e foi responsável indireto pela criação do próprio Visão – e adota junto com ele uma frequente dinâmica problemática de pai e filho que por vezes define a série.

Acontece que alguém está atrás do Visão Branco, e para tanto, colocaram um mercenário na sua cola. Tal mercenário é conhecido como Paladino (Todd Stashwick, de “A Feiticeira”), e ele obteve uma isca e tanto para capturar seu alvo: Ninguém menos do que Tommy (Ruaridh Mollica), um rapaz que assumiu a alma de um dos filhos gêmeos que Visão e Wanda tiveram em Westville – o outro dos gêmeos, Wiccano (Joe Locke), foi mostrado em “Agatha Desde Sempre”.

Para complicar ainda mais os percalços do Visão em seu árduo caminho para se autodescobrir humano e pai, surge uma espécie de contraparte feminina de Ultron, a misteriosa Jocasta (T’Nia Miller), cuja existência adicionará uma improvável parceria (além de um elemento mais improvável ainda de romance) aos planos de Ultron.

Transcorrida ao longo de oito excelentes episódios – que se incluem facilmente entre o que de melhor a Marvel Studios realizou em termos de produção televisiva – “VisionQuest” retoma alguns temas caros à “WandaVision” como o luto, a perda e as referências às sitcoms norte-americanas (extrapoladas no clímax do ótimo episódio final) e traz, como não poderia deixar de ser, algumas reflexões absolutamente novas, como os desdobramentos do conceito de família, origens ainda mais aprofundadas acerca das Inteligências Artificiais vistas no Universo Marvel (com uma notável participação do personagem, Jim Hammond, o primeiro Tocha Humana dos quadrinhos) e até mesmo uma revisão cheia da propriedade do Mito do Navio de Teseu, festejada analogia apresentada em “WandaVision”, tudo isso entregando ganchos narrativos que o conectam até mesmo ao lançamento de “Vingadores-Doomsday” (a cena pós-créditos do episódio final, revendo o desfecho de “Doutor Estranho No Multiverso da Loucura” é fantástica!) concebido dentro de um roteiro construído com primor e adornado de alguns dos melhores e mais bem escritos diálogos que a Marvel já elaborou – e ter dois grandes atores como Paul Bettany e James Spader para travá-los (ambos se encarregando, inclusive, de mais de um personagem) torna tudo ainda mais sensacional!

Plano B

 “The Back-Up Plan” nada mais é que um veículo para o estrelato de Jennifer Lopez, e como tal, vem enluvado no mais inofensivo e formulaico de todos os gêneros comerciais, a comédia romântica. Verdade seja dita: Com seu encanto à toda prova, seu carisma indisfarçável, seu magnetismo em frente às câmeras e um relativamente eficaz timing cômico, Jennifer Lopez cai como uma luva entre as mocinhas desse subgênero.

A trama, em sua simplicidade (os mais sisudos diriam em seu simplismo), não difere em nada de diversos outros filmes já protagonizados por Meg Ryan, Julia Roberts ou Sandra Bullock: Jennifer é Zoe, nova-iorquina que, na sua busca por amor já desiludiu-se com todos os homens com os quais tentou uma relação a dois. Sem muita certeza (e sem muita vontade, também) de que irá encontrar sua alma gêmea no futuro, ela resolve pular algumas etapas e – antes das fases usuais do namoro, noivado e casamento – resolve que já vai, diretamente, tentar ser mãe (!), e opta por um procedimento de inseminação artificial, valendo-se do esperma de um doador anônimo.

Eis que, no mesmo dia em que realiza o procedimento (sob orientação de seu médico de que a possibilidade de engravidar de imediato é bem remota), Zoe conhece Stan (Alex O’Loughlin, da série “Hawaí Cinco-0”), num primeiro momento em que os dois têm uma rusga ao disputar um táxi. Entretanto, Stan se encanta por ela e, nos dias que se seguem, busca entrar em contato e conhece-la melhor. Stan é um fazendeiro, também filho de fazendeiros, e mantém uma feira de queijos em Nova York. Zoe é proprietária de uma loja veterinária.

Com o romance entre eles progredindo de maneira inesperada – e Stan revelando-se um parceiro promissor que ela já não tinha mais esperanças de encontrar – Zoe se vê num dilema: Contra as previsões mais realistas, ela engravida (de gêmeos, inclusive!), e agora terá de contar ao seu pretendente que ele poderá assumir a responsabilidade de pai muito antes do que poderia imaginar!

É o temor de Zoe de que essa notícia afugente Stan que ameaça minar o relacionamento. E esse elemento quase banal representa o único esboço de conflito neste roteiro pra lá de irrisório e comum. Na verdade, a despeito de uma bilheteria até que satisfatória, “The Back-Up Plan” foi triturado pelos críticos na época, que deram conta da rasura alarmante de seu enredo, a superficialidade rudimentar de sua direção e a construção básica, praticamente vazia, de seus personagens, os elogios ficaram para o único aspecto positivo que o filme tem de mais nítido – sua atriz protagonista, capaz de manter-se atraente até em condições não tão favoráveis. Há também uma rápida participação especial de Melissa McCarthy antes do estrelato e da indicação ao Oscar de Atriz Coadjuvante por “Missão Madrinha de Casamento”, no papel de uma conselheira pouco ortodoxa de um grupo de reuniões para mães solo, e do comediante Anthony Anderson, no papel de um pai calejado (e cheio de ironia) com quem Stan troca algumas ‘experiências’ em um parque.

Lançado em 2010, “The Back-Up Plan” chegou aos cinemas quando já contava três anos que Jennifer Lopez não lançava um filme (anteriormente ela havia feito o pouco conhecido “Cidade do Silêncio”, em 2007), e tornaria a ficar mais outros dois sem fazer um filme até lançar “O Que Esperar Quando Você Está Esperando”, em 2021; ao que parece, o tema da gravidez, era bastante pertinente para a estrela naquela época – ela foi mãe de gêmeos que nasceram em 2008.

Godzilla

 Por muito tempo o cinema hollywoodiano flertou com a possibilidade de fazer uma versão norte-americana de “Godzilla”. Se hoje temos aqueles devaneios inverossímeis que levaram à franquia “Godzilla Vs Kong” – iniciados com o “Godzilla” norte-americano de 2011 – poucas décadas antes, isso era apenas uma sonhadora intenção dos produtores de estúdio, fascinados com as gordas bilheterias que a série “Godzilla” (já contando dezenas de longa-metragens!) obtinha em seu Japão natal desde os anos 1960; isso e mais os incontáveis fãs dessa franquia espalhados pelo mundo todo, e a própria força cultural do nome Godzilla.

Nos anos 1990, a primeira tentativa realmente explícita veio a se concretizar num projeto que, outrora teve o diretor Jan De Bont (realizador de “Velocidade Máxima” e “Twister”) como líder, mas logo foi passado para a dupla Dean Devlin (produtor) e Roland Emmerich (diretor) que, então, haviam chacoalhado as bases de Hollywood com o sucesso “Independence Day”. E realmente, há muitas características em comum, como veremos mais a frente, entre o maior sucesso da dupla e o projeto “Godzilla”, que eles entregaram naquele verão de 1998.

O protagonista de “Godzilla” – além do lagarto gigante, claro (cujo visual, repaginado para o cinema americano foi guardado à sete chaves na época) – é o biólogo Niko Tatopoulos (Matthew Broderick, apesar do carisma, exagerando na ingenuidade com que faz um personagem bastante aparvalhado). Outrora um ativista contra o uso de energia nuclear em armas militares, o Dr. Tatopoulos encabeça uma pesquisa na qual descobre que a radiação pode aumentar exponencialmente as dimensões de meras minhocas de jardim. Logo, aliado a um grupo de militares norte-americanos, ele chega à conclusão que testes atômicos realizados por diversos países no Oceano Atlântico (entre eles, a França) fizeram exatamente isso com um espécime de dragão de Komodo – ou, pelo menos, é o que a narrativa dá a entender, já que vemos um dragão de Komodo no prólogo que alterna com imagens em sépia de testes nucleares...

Um monstro parece ter surgido, e promoveu um rastro de destruição em alguns lugares da América do Sul (como o Panamá) indicando que seu rumo, via oceano, pode ser a América do Norte, mais especificamente, a cidade de Nova York, então, assolada por uma chuva intermitente, dramática e ininterrupta – cheguei a lembrar da umidade em “Stalker” (guardadas as devidas proporções, claro) tal é a onipresença da chuva neste filme! Provavelmente, a escolha cênica da chuva, por parte do diretor Emmerich, tenha a ver com uma certa história de bastidores segunda a qual Steven Spielberg teria insistido que estivesse chovendo durante toda a sequência da primeira aparição do Tiranossauro Rex em “Jurassic Park” – e “Godzilla”, de 1998, emprega inúmeras manobras usadas em “Jurassic Park” num nível muito mais anabolizado e megalomaníaco.

É interessante notar como o cinema hollywoodiano adora destruir Nova York – isso até, o 11 de setembro de 2001, óbvio, quando a ideia de destruição de Nova York passou a ser acompanhada de um viés mais traumático e real – naqueles anos 1990, a Grande Maçã havia sofrido nas mãos de bandidos melindrosos (“Duro de Matar-A Vingança”, o terceiro da série), de alienígenas (o próprio “Independence Day”), de meteoros do espaço sideral (“Armageddon”, lançado naquele mesmo ano de 98) e, num flerte inesperado com a realidade, de terroristas islâmicos (“Nova York Sitiada”, também lançado em 98, no final do ano). Em um momento de “Godzilla”, o personagem de um repórter até mesmo menciona, em tom algo jocoso, que o estrago promovido por Godzilla se assemelha à bomba plantada no World Trade Center (!), até então, o atentado terrorista mais notório perpetrado por lá.

Pois bem, a partir do trecho em que a devastação de Nova York começa, o roteiro engrena elementos muitos semelhantes aos de “Independence Day” para mostrar, nesse novo contexto, o quanto o diretor Emmerich permanece muito bom em organizar e administrar os efeitos especiais e filmar destruição – uma faceta que definiria toda sua carreira nos inúmeros projetos que se seguiriam, com graus cada vez mais elevados de inverossimilhança! Temos o núcleo dos militares (encabeçados pelo carrancudo Kevin Dunn) que se veem perplexos diante do fabuloso monstro, enquanto o prefeito de Nova York (Michael Lerner, de “Barton Fink” no que talvez seja uma caricatura de Rudolph Giuliani) protagoniza cenas quase de teor cômico, sem saber o que fazer. Nesse meio tempo, se destaca o núcleo de personagens envolvendo o cameraman Palotti (Hank Azaria, mais conhecido por seu trabalho de dublagem na série “Os Simpsons”) e a aspirante a repórter Audrey (Maria Pitillo) que, por acaso, vem a ser ex-namorada do Dr. Tatopoulos – e tem-se aí, uma jogada de roteiro, das mais óbvias, com a qual se reúne todos os protagonistas num determinado momento. Há também um grupo de agentes do Serviço Secreto Francês, encabeçado por Jean Reno (de longe, a mais sensacional presença no elenco), que ganham importância na trama a partir de seu terço final.

“Godzilla”, de 1998, me pareceu, hoje, um filme muito mais divertido do que ele me soou na época de seu lançamento – provavelmente esmagado pela pressão de ser mais um grande sucesso de bilheteria, e arremessado numa temporada de sucessos acachapantes de bilheteria e de crítica (“Titanic” havia saído de cartaz a poucas semanas e, além da competição ferrenha com “Armageddon”, logo estrearia “O Resgate do Soldado Ryan”), ele converteu-se num tremendo fracasso. Contudo, nota-se nele e no nível de detalhamento e empenho técnico de suas cenas, o prestígio do qual o diretor Roland Emmerich desfrutava. Seu filme perde muito de sua graça e empolgação quando, já na sua parte final, abre mão do exuberante monstro japonês (numa estética modernizada que não lembra tanto assim o Godzilla original) para se concentrar num corre-corre envolvendo os babyzillas – nada mais que cópias desavergonhadas e sem razão de ser dos velociraptors do sucesso de Steven Spielberg.

O Convite

 O filme estrelado e dirigido por Olivia Wilde guarda fortes ecos de “Closer-Perto Demais” e de “Deus da Carnificina” – em ambos os filmes, dois casais (dois homens, duas mulheres) se veem às voltas com as complexidades inerentes aos relacionamentos. Há, nesse tipo de proposta, um fator que remete ao teatro (ainda que em todos esses casos, hajam recursos dispostos pela direção que se desvencilham do formato teatral) e, por isso mesmo, uma ênfase natural no desempenho do elenco.

A origem, por sinal, do projeto é realmente teatral: A peça espanhola escrita por Cesc Gay “Los Vecinos de Arriba” (ou “The People Upstairs”) fez sucesso a ponto de ser adaptada para cinema na Espanha – no longa “Sentimental”, dirigido pelo próprio autor – e, depois em vários países (França e Coréia do Sul, entre outros), chegando aqui em sua elogiada versão norte-americana.

As primeiras cenas de “The Invite” são flashes que mostram a sintonia do casal Angela e Joe (Olivia e Seth Rogen), mas essa impressão logo é deixada de lado: Quando a trama se inicia de fato, essa química que eles experimentavam ficou para trás. Joe dá aulas de música (um reflexo do fato de ter sido, no passado, um músico que não emplacou) e essa rotina o desanima.

Ao chegar em casa, com dores nas costas, stress e desgaste, ele ainda acaba se deparando com uma novidade: Animada (ou, pelo menos, aparentemente, animada), Angela preparou um jantar especial, e convidou, para tanto, os vizinhos do andar de cima – um casal a respeito dos quais, até então, Angela e Joe pouco sabem; salvo o fato de ouvirem, quase todas as noites, os sons ruidosos deles fazendo sexo!

Mal-humorado e totalmente em desacordo com a esposa, Joe não quer passar pela experiência desse jantar, e protesta afirmando que, quando a hora chegar, irá trazer à baila o assunto do sexo barulhento do casal, para indignação de Angela.

Assim o filme se desenrola, com as personalidades de Angela e Joe entrando em atrito o tempo todo, e revelando assim, as fissuras de rancor, incomunicabilidade e ressentimento que contaminaram o casamento dos dois.

A chegada do outro casal, Hawk e Piña (Edward Norton e Penelope Cruz), não traz qualquer equilíbrio à situação, pelo contrário, ao trazer suas próprias peculiaridades (e alguns segredos inesperados) para a discussão, os dois aprofundam ainda mais as tensões.

Mescla habilidosa entre comédia e drama (muitas vezes mais drama do que comédia), e fruto, segundo as más línguas, das experiências passadas pela própria Olivia Wilde durante sua separação conjugal, este seu terceiro longa-metragem como diretora (os anteriores foram “Fora de Série”, de 2019, e “Não Se Preocupe, Querida”, de 2022) é uma obra que remete aos trabalhos de Woody Allen em geral (na discussão incisiva sobre a relação à dois e na dramaturgia tipicamente nova-iorquina que evoca, ainda que o filme seja ambientado em San Francisco), e em “Cenas de Um Casamento”, de Ingmar Bergman, em particular. Tão brilhante como diretora quanto como atriz, Olivia Wilde compreende, aqui, cada uma das engrenagens narrativas que fazem de “The Invite” uma obra inquestionavelmente cinematográfica – a câmera impõe um ritmo hipnótico auxiliada por praticamente todos os recursos audiovisuais à disposição – e possibilita ao seu elenco atuações espetaculares, sendo que a mais sólida e impressionante é da formidável Penelope Cruz, numa personagem que com frequência domina a cena e conduz a narrativa.

Simplesmente Amor

 Já na segunda metade dos anos 1990, o roteirista britânico Richard Curtis obteve largo reconhecimento com as inesperadas (ainda que merecidas) indicações ao Oscar de “Quatro Casamentos e Um Funeral”, seguido do avassalador sucesso de público de “Um Lugar Chamado Notting Hill” – até pela fórmula com a qual habilmente trabalhava, Curtis logo recebeu a pecha de expert em comédias românticas. Contudo, ele devia enxergar esse rótulo como restritivo, embora fosse sim, grato a ele. Diante dessas impressões, Curtis resolveu, em 2003, no seu projeto seguinte (também sua estréia, por sinal, como diretor), elaborar todas as premissas, enredos e ideias possíveis para futuros filmes de comédia romântica e reuniu tudo isso num único compilado, num único longa-metragem. Assim foi lançado “Simplesmente Amor”, ou “Love Actually”, no original, cujo pôster, um coração estilhaçado, sugerindo as inúmeras expressões do amor e as tantas tramas fragmentadas na narrativa, pouca gente notou, parecia ser descaradamente decalcado por cartaz original do clássico “Short Cuts-Cenas da Vida”, de Robert Altman, que termina sendo igualzinho!

As diversas tramas de “Love Actually”, como era de se imaginar, versam em torno do amor, em suas mais diversas e inesperadas variações, há também o tempero curioso da fleuma inglesa que, conforme a história, agrega elementos agridoces, melancólicos, inusitados, auto-depreciativos e/ou bem-humorados.

Temos, por exemplo, o outrora famoso cantor Billy Mack (Bill Nighy) que, em pleno Natal, resolve promover a faixa “Christmas Is All Around”, onde canta uma picareta versão de “Love Is All Around” (tema justamente de “Quatro Casamentos e Um Funeral”!); o personagem de Nighy, aliás, é alguém que aparece, vez ou outra na narrativa, para agregar algum humor inglês ao todo; há também os recém-casados Peter (Chiwetel Ejiofor) e Juliet (Keira Knightley, antes de estourar como a mocinha de “Piratas do Caribe”) que, embora felizes, não conseguem compreender a estranha apatia do melhor amigo Mark ( Andrew Lincoln, o Rick da série “The Walking Dead”) para com ela; Daniel (Liam Neeson), ainda em luto pela partida da esposa que precisa lidar, também, com o luto do enteado (o jovem Thomas Brodie-Sangster, de “Maze Runner” e “O Gambito da Rainha”), filho dela, que ficou sob seus cuidados; o romance recatado e hesitante que vai surgindo entre os atores John (Martin Freeman) e Judy (Joanna Page, de “Do Inferno”) que, curiosamente, trabalham como parceiros em cenas eróticas bastante quentes (!); a perplexidade de Harry Foster (o saudoso e sensacional Alan Rickman), casado à anos com a compreensiva Karen (a igualmente sensacional Emma Thompson) e que começa a especular novas experiências extraconjugais diante da atração pela jovem, ostensiva e insinuante Mia (a cantora alemã Heike Makatsch); o interesse da designer gráfica dele, Sarah (Laura Linney) pelo colega de escritório, Carl (o brasileiro Rodrigo Santoro); a paixão relutante e tímida que Jamie Bennet (Colin Firth) desenvolve pela portuguesa Aurélia (Lúcia Moniz), nas fortuitas ocasiões em que fornece carona de carro para ela; o desengonçado rapaz inglês (Kris Marshall, de “Bons Costumes”) que, sem perspectivas de envolver-se com mulheres, vai para os EUA, onde dizem as mulheres se encantam pelo sotaque britânico (verdade ou não, em sua chegada ele já se vê às voltas com Elisha Cuthbert, de “Show de Vizinha”, January Jones, de “X-Men Primeira Classe”, Shannon Elizabeth, de “American Pie”, entre outras!!); e o romance entre o primeiro-ministro inglês David (Hugh Grant) e sua camareira Natalie (Martine McCutcheon), posto à prova pelo súbito assédio do presidente norte-americano (Billy Bob Thornton) – a trama que mais remete ao enlace amoroso de “Um Lugar Chamado Notting Hill” não apenas por trazer Hugh Grant de volta, como por inverter os papéis, sendo ele, desta vez, a contraparte famosa do casal. E ainda sobram participações especiais de Rowan Atkinson (o “Mr. Bean”, cujo bem-sucedido show de TV foi roteirizado por Curtis), da modelo Claudia Schiffer e da atriz Denise Richards.

Feito com rigor técnico notável – a edição que alterna e emenda todas essas tramas num único ritmo harmonioso e constante é particularmente brilhante, e um detalhe que por vezes passa despercebido no filme – “Love Actually” é indicado aos apreciadores incondicionais de comédias românticas, o excesso de sacarose em tramas dedicadas exclusivamente aos desdobramentos amorosos (ainda que, aqui ou ali, o roteiro saiba administrar questões que fogem do óbvio) pode exacerbar expectadores que não tenham tanto apreço assim à histórias de amor. À sua maneira “Love Actually” reflete elementos da época a que pertence: Não apenas comédias românticas (com seus recordes de bilheteria ocasionais) estavam em voga, numa época que aliar romance a humor era mais fácil e não parecia ofender com tanta facilidade quanto hoje, como também o cinema experimentava uma espécie de ressaca pós-11 de setembro – não por acaso, o início do filme já aborda essas questões, colocando justamente seu tema central, o amor, como um contraponto à sensação de amargo pesar deixada no público pelos terríveis atentados ao World Trade Center.

Em tempo: Em 2017, Richard Curtis realizou uma espécie de continuação para “Love Actually”, em forma de curta-metragem, “Red Nose Day Actually”, ao mostrar como todos os personagens estão cerca de catorze anos depois, como forma de promover o evento de arrecadação de fundos “Red Nose Day”.

Jurassic World - Recomeço

 Até pelos altos índices de bilheteria que seus exemplares foram capazes de atingir, era de se supor mesmo que Hollywood dificilmente deixaria a franquia dos dinossauros, inaugurada por Steven Spielberg lá num longínquo 1993, em paz. Eis que, mesmo após o resultado lastimável, pífio e irrelevante de “Jurassic World-Domínio”, em 2022, os estúdios da Universal logo deram sinal verde para um novo recomeço – e eles não esconderam isso nem mesmo no título original!

Chamado para dar um novo fôlego narrativo à franquia – cujos últimos exemplares apresentavam um desgaste alarmante na qualidade – o diretor Gareth Edwards deve ter suscitado, nos produtores que o selecionaram, a lembrança de seu mais que excelente “Rogue One”, ou ainda as manobras narrativas inteligentes adotadas por ele em seu “Godzilla” (de ponta a ponta, uma homenagem ao “Jurassic Park” de Spielberg), no entanto, percebe-se aqui que ele não consegue fazer milagres. Existem dois núcleos narrativos em “Jurassic World-Rebirth” e eles jamais se harmonizam. O primeiro é um grupo de cientistas, liderados pelo Dr. Henry Loomis (Jonathan Bailey, de “Wicked”) e pela mercenária, designada para protege-los, Zora Bennett (Scarlett Johansson, realizando um sonho antigo de fazer parte da franquia), que adentram a ilha convertida em ambiente selvagem que dispensa apresentações – foi praticamente o cenário de todos os filmes da saga – onde vivem os animais pré-históricos, a fim de extrair sangue de algumas espécies, na intenção de usar seu DNA para um novo tratamento de doenças cardiovasculares. O segundo núcleo envolve uma família latina (uma espécie de concessão para minorias promovida pelo obtuso cinema comercial norte-americano) que sofre um naufrágio e vai parar na mesma ilha. O resultado da alternância desses dois núcleos ao longo do filme é tão mal ajambrado que parecem dois roteiros completamente distintos, mesclados num só sem maiores polimentos ou cuidados.

“Rebirth” infelizmente acaba se voltando muito mais para os equívocos e para as redundâncias da “Trilogia Jurassic World” que precede do que para o “Jurassic Park” original que tenta evocar – tarefa na qual todos os filmes subsequentes fracassaram.

Se demonstra insuspeita habilidade para o uso de efeitos visuais, o diretor Gareth Edwards não suscita todo o primor de Spielberg – e o roteiro preguiçoso, desanimado e genérico à cargo de David Koepp (pasmem, o mesmo do primeiro “Jurassic Park”!) não ajuda em nada – já, a estrela Scarlett Johansson, a frente do elenco – notoriamente uma atriz competente e uma heroína de ação popularmente consagrada – repete trejeitos óbvios de personagens duronas (tal e qual a Viúva Negra) que ela interpretou muito melhor em outras ocasiões. Nem mesmo o esforço (falho, no fim das contas) em adicionar mais agressividade e sanguinolência ao produto final, ou a presença de atores que em outras circunstâncias chamariam a atenção (como Rupert Friend, Mahershala Ali ou Ed Skrein) consegue tirar “Rebirth” e seus já enfadonhos dinossauros gigantescos do marasmo.

O Reformatório Nickel

 Adaptado do livro de Colson Whitehead, ganhador do prêmio Pulitzer, “Nickel Boys” foi um dos mais audaciosos e inovadores exemplares entre os indicados ao Oscar de Melhor Filme 2025, devido ao arrojo de sua técnica – na narrativa poética e autoral do diretor RaMell Ross, a câmera nunca adota um registro ficcional convencional, ao invés disso, ela trabalha um registro em 1ª pessoa assumindo sempre o ponto de vista muito pessoal de um de seus dois protagonistas. O primeiro deles é Elwood Curtis (Ethan Erisse), jovem nascido e crescido no sul dos EUA da década de 1960, sob as rígidas leis segregacionistas implantadas por Jim Crow. Estudioso, Elwood almeja ingressar numa escola de elite para orgulhar a avó, vivida por Aunjanue Ellis (de “King Richard”), mas, o destino cruel tem outros planos: Ao pegar carona com um desconhecido (que vinha a ser, por ironia, ladrão de carros), Elwood acaba confundido como cúmplice pelos policiais brancos. Como tem apenas 17 anos, a condenação para Elwood não o despacha para a prisão, mas sim para o inóspito Reformatório Nickel, onde ele faz amizade com o outro protagonista deste filme, Turner (Brandon Wilson, de “Dia D”).

Mais cínico e calejado pelo sistema, Turner sabe como contornar as regras massacrantes do Reformatório Nickel e sobreviver – sim, pois apesar de ser uma instituição correcional para jovens (e possuir uma rotina relativamente branda, pelo menos, para os internos brancos), muitos são aqueles que morrem no Reformatório Nickel.

Segundo Turner, existem quatro formas de sair dali: Ou você se forma (a graduação obedece a quatro estágios que não fazem sentido nenhum e, no frigir dos ovos, não leva ninguém a se formar de fato); ou você é expulso (a mais improvável das alternativas, visto que as infrações eram penalizadas com execuções praticadas por baixo dos panos); ou você foge; ou você é morto.

Com seu elevado grau de instrução, Elwood almeja uma quinta alternativa para sair: Registrar os absurdos contundentes perpetrados contra jovens negros no Nickel (os cadáveres, mortos por justificativas banais, eram desovados no terreno periférico do reformatório) e encontrar um meio de denunciá-los às autoridades, para levar o Nickel e sua política de intolerância a ser encerrado.

Obra notável no panorama cinematográfico norte-americano, “Nickel Boys” pode ser visto como uma produção de nicho que conseguiu furar a bolha do circuito comercial: Filmes como este, de perfil alternativo, execução artística e sem maiores concessões, donos de um ponto de vista bastante crítico e pertinente, dificilmente chegam ao grande público (menos ainda às badaladas categorias do Oscar), permanecendo restrito ao público e ao segmento que o originou. O fato de termos acesso a ele, e ao seu primor inquestionável, pode ser visto como um milagre.